Développer / manager un projet musical

Destinée autant aux artistes qu’aux professionnels de la musique, notre formation propose à ses participants d’acquérir des connaissances dans les domaines artistique, administratif, juridique et de la communication. Renforcée par un accompagnement professionnel et personnalisé, elle donne les clés aux stagiaires pour structurer, manager et développer leur projet de musique.

 

En bref

PROFIL PROFESSIONNEL DES STAGIAIRES

– Artistes-interprètes ou musiciens (auteurs-compositeurs ou non).
– Professionnels de la musique (managers, producteurs de disques ou de spectacles).
– Professionnels en reconversion vers le management de projet musical.

PRÉREQUIS

– Être porteur d’un projet musical dont le développement est envisagé par la scène et/ou la production d’un enregistrement.
– Pratique préalable d’un traitement de texte (type Word) et d’un tableur (type Excel).

La formation se déroulant en tout ou en partie à distance, le stagiaire doit posséder une liaison Internet, un ordinateur, une webcam (intégrée ou non) et un micro (intégré ou non).

POSITIONNEMENT PÉDAGOGIQUE

Un entretien téléphonique sera effectué en amont de la formation pour valider le parcours professionnel et les pré-requis du candidat.

OBJECTIFS PÉDAGOGIQUES

– Acquérir une vision précise du fonctionnement et des enjeux des différents secteurs de l’industrie musicale : production phonographique, édition musicale, spectacle vivant, management.
– Être en mesure de concevoir et appliquer à son propre projet musical une stratégie de développement en s’appuyant sur un socle de connaissances couvrant ses différentes composantes : artistiques, administratives (y compris juridiques et financières), marketing et communication.

EN QUELQUES MOTS…

Qu’il souhaite s’entourer de partenaires professionnels ou bien mener sa carrière de manière autonome, l’artiste-musicien est toujours confronté au même challenge au lancement de son projet musical : devoir assumer lui-même des fonctions bien éloignées de la création ou de la seule pratique musicale.
En effet, parce qu’ils veulent s’assurer un retour sur investissements – ou tout au moins limiter le risque de pertes, les différents partenaires de l’artiste (éditeurs, producteurs de spectacles, labels) attendront pour s’engager que le projet dispose déjà d’un environnement solide, c’est-à-dire une activité scénique réelle, une première exposition médiatique, et surtout une fan base croissante (tout ceci supposant l’existence d’enregistrements sonores ou vidéos de qualité suffisante).
Aussi, la création de cet environnement dépend beaucoup de la capacité des artistes – ou de leurs soutiens proches – à pouvoir assurer eux-mêmes les premières étapes de développement de leur projet musical, à l’instar de tout entrepreneur. Mais un tel développement, pour être efficace, ne s’improvise pas, et pouvoir se former est devenu un sérieux atout, voire une étape indispensable.

La formation « Développer / manager un projet musical » propose à ses participants d’acquérir un socle de connaissances étendu leur permettant de structurer leur projet musical. Organisé en modules spécifiques, le stage aborde chaque activité de l’artiste-musicien : les droits d’auteur et l’édition musicale, la production phonographique, la production de spectacles, la communication et le marketing digital du projet.
Dans ce cadre, les stagiaires seront d’abord amenés à comprendre le fonctionnement général de l’écosystème musical en France puis, pour chaque secteur d’activités, seront présentés les modèles économiques pratiqués, les différents métiers ainsi que les enjeux auxquels sont confrontés les professionnels.
Un état des lieux et une mise en perspective de chaque projet seront réalisés, puis les enseignements se concentreront sur les aspects pratiques et techniques propres à chaque secteur et applicables aux projets en phase de développement, tels que : assurer le dépôt de ses œuvres à la SACEM, monter un budget de production et trouver des financements, ou encore réaliser un dossier de presse.
A l’issue de cet accompagnement professionnel et personnalisé, les stagiaires seront à même de se fixer des objectifs cohérents de développement (que ce soit atteindre un premier public ou présenter un projet convaincant à des partenaires professionnels), et de concevoir la stratégie à mettre en œuvre pour y parvenir, en toute autonomie.

La direction pédagogique du stage a été confiée à Gaël Chatelain, éditeur musical, juriste spécialisé en droit de la musique, et plus généralement développeur de projets musicaux depuis plus de quinze ans.

ACCESSIBILITÉ

Vous pensez avoir un besoin spécifique ? Une étude de chaque situation est effectuée par notre référent handicap pour mettre en place des solutions adaptées. (Voir page Présentation).

Déroulement (résumé)

JOUR 1 – POUR BIEN COMMENCER… PANORAMA DE L’ECOSYSTEME MUSICAL
– L’environnement professionnel de l’artiste musicien
– Le management d’artiste
– Direction Artistique et stratégie de développement

JOURS 2 ET 3 – LES DROITS D’AUTEUR, SOURCE DE REVENUS
– SACEM et gestion collective des droits d’auteur
– L’édition musicale

JOURS 4 et 5 – PRODUCTION ET DIFFUSION DU LIVE
– Production et stratégie de développement scénique
– La diffusion du live

JOURS 6 et 7 – PRODUCTION ET EDITION PHONOGRAHIQUE
– La production phonographique
– L’exploitation des enregistrements

JOURS 8 ET 9 – COMMUNICATION ET WEB MARKETING DU PROJET MUSICAL
– Storytelling et visuels : l’univers extra-musical de l’artiste
– La Communication B2b Et Les Médias
– La communication direct-to-fan et les réseaux sociaux
– Markéter ses contenus en ligne

JOUR 10 – SYNTHÈSE / PRESENTATION D’UNE STRATÉGIE DE DEVELOPPEMENT
– Synthèse / présentation par les stagiaires d’une stratégie de développement
– Bilan de la formation

Formateurs

  • Gaël Chatelain

    Editeur musical, juriste spécialisé en droit de la musique, manager

    Diplômé d’un Master II en Droit de la Propriété intellectuelle (Paris II Panthéon-Assas), Gaël Chatelain est spécialiste de la gestion des droits des artistes-musiciens. Depuis une quinzaine d’années, il évolue principalement dans les domaines de la production phonographique et de l’édition musicale (responsable des éditions du groupe MK2, directeur des éditions du label Atmosphériques, co-fondateur des éditions Helice) et il est actuellement consultant-expert pour IDeal Rights (Lorenzo, 47 Ter, Blanche Gardin, Monsieur Poulpe...).

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    Gaël Chatelain a également assuré plusieurs mandats au sein d’organismes professionnels (conseils d’administration de la CSDEM et de Grand Bureau, commissions de la SCPP et du FCM) et il est responsable d’enseignements sur l’industrie musicale (CIFAP, EAC, ICART...).

  • Jean-Noël Scherrer

    Producteur, tourneur (Cold Fame), musicien (Last Train)

    Jean-Noël Scherrer, chanteur guitariste du groupe Last Train , est le fondateur de Cold Fame. Cette agence de diffusion et de production de concerts basée à Lyon produit et développe les tournées de groupes comme Holy Two (Fr), Thé Vanille (Fr), Born Idiot (Fr), Crocodiles (Usa), Eut (Nl), Ro x Konoba (Be) ou encore Last Train (Fr). Producteur, tourneur, mais aussi artiste, les casquettes sont nombreuses pour ce jeune entrepreneur éloigné des discours institutionnels, passionné par la musique autant que par ses moyens de diffusions.

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  • Benjamin Petit

    Directeur/Programmateur (Le Marché Gare-Lyon)

    Benjamin suit depuis une quinzaine d’années la scène émergente locale et nationale. Directeur et programmateur de la SMAC du Marché Gare à Lyon, il a également assuré la fonction d’Antenne Rhône-Alpes pour les Inouïs du Printemps de Bourges pendant 7 ans et programmé pour le Festival des Chants de Mars pendant 10 ans

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  • Arthur Badea

    Responsable de la distribution digitale (Alter K)

    A l’issue de son Master en Management de projets culturels, Arthur Badea intègre Believe Digital en 2014, au sein de laquelle il va officier en tant que Responsable Supply Chain puis Label Manager pendant plusieurs années. Puis il rejoint Alter K en tant que responsable de la distribution digitale où il sera en charge du développement de l'activité ainsi que de l'acquisition de nouveaux catalogues. Il y travaille toujours et dirige désormais les équipes Supply Chain, Label Management, Trademarketing et Label.

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  • David Rivaton

    Manager, producteur, directeur artistique

    Depuis plus de dix ans, David Rivaton manage et accompagne des artistes dans le développement de leur carrière. En parallèle, il rejoint un label indé, avant de diriger le sien. Aujourd’hui à la tête de Pont Futur, structure qui regroupe ses activités de management (WAB), distribution (Confiture) et publishing, il accompagne/a accompagné des artistes tels que Théa, Terrenoire, Yoa, Brique Argent, Thx4Crying, Johnnie Carwash, Claire days, Hugo Barriol…

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    Par ailleurs, suite à des expériences en tant que programmateur d’un lieu, puis dirigeant de conseil d’administration d’une SMAC, il intègre la direction artistique du festival Paroles & Musiques, et devient aussi conseiller artistique des iNOUïS du Printemps de Bourges. Ces expériences variées au plus près des artistes et autres acteurs du milieu lui ont permis de développer une spécialité pour la communication du projet artistique, véritable clé de réussite pour le développement.

  • Gabrielle Grau

    Experte stratégie de communication pour artistes, musicienne, chanteuse

    Depuis plus de 5 ans, Gabrielle Grau accompagne des artistes (Claire Days, Buttshakers, Cavale...) sur leur stratégie de communication et la création de leur contenu. Elle est également en charge de la direction artistique et du set design sur des projets de shooting photo et de tournage de clip musicaux. Guitariste et chanteuse, Gabrielle Grau est membre du groupe Send Me Love Letters, quatuor rock, lauréats des Tremplins Kiwi, Rootstock Music Festival et Smart Music Tour (Riffx). Grâce à la sortie solo de single et EP sur les plateformes de streaming, elle est très suivie sur les réseaux sociaux. En plus des nombreuses scènes investies avec son groupe, Gabrielle a fait les premières parties de Vianney à l'Accor Hôtel Arena à Paris, Julien Doré à La Bourse du Travail à Lyon ou Top Music Radio au Zénith de Strasbourg.

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Programme détaillé

TÉLÉCHARGER LE PROGRAMME DÉTAILLÉ  (+ TARIF)

JOUR 1 – PANORAMA DE L’ECOSYSTEME MUSICAL 
NOTE : cette journée de formation se tient en distanciel.
Ayant lieu un vendredi elle permettra aux stagiaires venant de loin de rejoindre le lieu du stage (Lyon) durant le week-end.

L’environnement professionnel de l’artiste musicien
– Présentation de l’intervenant et de son parcours.
– Objectifs et déroulé de la formation.
– Présentation par les stagiaires de leurs projets respectifs.
– Ecosystème de la musique.
Connaître la structuration de l’industrie musicale à travers ses grands secteurs d’activité (édition musicale, production phonographique, production de spectacle, management) et comprendre la place de l’artiste en son sein.
– L’artiste-interprète et l’artiste-créateur.
Apprendre à distinguer l’œuvre musicale de son interprétation/enregistrement, et comprendre les différences entre droits d’auteur (dont est titulaire l’artiste auteur-compositeur) et droits voisins (dont sont titulaires l’artiste-interprète et le producteur phonographique).

Le management d’artiste
– Rôle et missions du manager.
Connaître la place et le rôle du manager lors des différentes phases de développement du projet. Comprendre les enjeux pour un artiste de collaborer – ou non – avec un manager et savoir déterminer des critères de choix.
– Contrat de management (mandat de représentation.
Analyse des principales dispositions du mandat de représentation : durée, obligations du manager, rémunération du manager, etc.
– Le manager et les partenaires de l’artiste.
Rapports de force et collaboration constructive, comprendre la relation entre le manager et les différents partenaires entourant l’artiste (producteur, éditeur, tourneur).

Direction Artistique et stratégie de développement
– Enjeux de la direction artistique.
Médias, publics, marketing : comprendre l’impact de la direction artistique sur un projet (formatage vs singularité, choix de la langue, etc.). Analyse des tops de vente. Présentation de l’outil Yacast.
– La direction artistique aux différents stades de création (composition, enregistrement, adaptation scénique).
Maîtriser les nuances et méthodologie. Écoute et analyse des différentes versions de chansons.
– Être « signé » par un directeur artistique.
Découvrir le métier de directeur artistique, ses différentes missions. Comprendre les critères et stratégies de signature. Cas pratique « démarcher un directeur artistique » : techniques et astuces.
– Le réalisateur artistique.
Comprendre le rôle du réalisateur artistique, et sa relation avec le directeur artistique, l’artiste principal et les musiciens. Connaître les critères de choix d’un réalisateur artistique.
– Tubes et carrières d’artiste.
Du single au tube : comprendre la mécanique de construction d’un tube. Comprendre l’impact d’un tube sur un projet, sur une carrière.

JOURS 2 ET 3 – LES DROITS D’AUTEUR, SOURCE DE REVENUS

SACEM et gestion collective des droits d’auteur 
– Structuration du droit d’auteur (droit patrimonial et droit moral).
Maîtriser les notions juridiques fondamentales liées au droit d’auteur (conditions de protection de l’œuvre, droit patrimonial et droit moral, droit de reproduction et droit de représentation, durée des droits, sanction des atteintes au droit d’auteur…).
– Typologies des œuvres et des auteurs.
Savoir faire la distinction entre :
+ œuvre de collaboration, œuvre composite, œuvre dérivée, œuvre collective
+ auteur des paroles, compositeur, adaptateur, arrangeur
– Chronologie du développement de projet musical
Comprendre les principales phases de développement d’un projet musical et savoir situer son projet.
– Réglementation fiscale et sociale du droit d’auteur.
Connaître et comprendre les principales réglementations sociales et fiscales applicables aux droits d’auteur ; analyse d’une note de droit d’auteur.
Exercice pratique : établissement d’une note de droit d’auteur.
– L’admission à la SACEM.
Connaître les conditions et modalités pour les auteurs-compositeurs et pour les éditeurs.
– La déclaration d’une œuvre : formalités de la procédure de dépôt, analyse d’un bulletin.
– La perception des droits : présentation des principales règles de perception appliquées par la SACEM auprès des diffuseurs (producteurs de spectacles, streamers, médias).
– La répartition des droits : présentation des règles de répartition statuaires et contractuelles.
– L’action culturelle : étude des subventions proposées (aide à l’autoproduction notamment).

L’édition musicale
– Structuration du secteur et présentation économique
Comprendre les interactions entre les éditeurs et les autres acteurs de la filière (managers, labels et producteurs de spectacles) ; les sources de revenus des éditeurs ; l’organisation d’une société d’édition musicale.
– Les différentes typologies d’éditeurs
Savoir définir ses attentes et déterminer les critères permettant de s’orienter vers la typologie d’éditeurs la plus pertinente pour son projet (éditeur indépendant ou major, éditeur spécialisé dans la synchronisation ou dans le développement de projet…).
– Rôle et principales obligations des éditeurs à l’égard des auteurs-compositeurs
– Les contrats conclus entre l’éditeur et l’auteur (pacte de préférence et contrat de cession et d’édition)
Maîtriser les subtilités des contrats conclus entre un éditeur et ses auteurs : étendue, durée, prime, avance, exercice du droit de préférence, investissements de l’éditeur ; savoir en négocier les conditions essentielles.
– La promotion et la commercialisation des œuvres
– Comprendre les attentes d’un éditeur
Connaître les principaux critères de décision des éditeurs dans le cadre de la signature d’un nouvel auteur/compositeur.
Savoir présenter son travail à un éditeur, à l’écrit (supports son/image, dossier de presse, email de présentation) et à l’oral. Cas pratiques avec les stagiaires volontaires.

JOURS 4 et 5 – PRODUCTION ET DIFFUSION DU LIVE

Production et stratégie de développement scénique 
– Organisation du secteur.
Comprendre la structuration du secteur du spectacle vivant en France, l’organisation et le fonctionnement des entreprises de production. Connaître les principales réglementations applicables (la licence d’entrepreneur de spectacle, le régime de l’intermittence). Présentation du PRODISS et des autres organismes professionnels.
– Les contrats de la production de spectacle.
Comprendre les clauses principales des différents contrats intervenant dans le cadre de la production (contrat d’engagement, contrat de coproduction).
– Financement du spectacle vivant.
Connaître les différents modes de financement de la production et de la diffusion d’un spectacle. Présentation du CNV. Comprendre la méthodologie de calcul des produits de l’exploitation d’un spectacle.
– Budget de production.
Comprendre les différents postes du budget de production. Savoir distinguer entre coûts fixes et coûts variables. Savoir déterminer son coût de plateau. Exercice de calcul du résultat de tournée (pertes ou bénéfices).
– Fonctionnement d’une salle de spectacle.

La diffusion du live
– L’organisation et le fonctionnement d’un lieu de diffusion.
Connaître les différentes typologies de lieu, leur organisation et leurs ressources.
– Le métier de programmateur.
Comprendre le rôle du programmateur, les sources et les méthodes de construction d’une programmation.
– Les contrats de la diffusion de spectacle.
Comprendre les clauses principales des différents contrats intervenant dans le cadre de la diffusion (contrat de cession du droit d’exploitation d’un spectacle, contrat de promotion locale, contrat de coréalisation).
– Stratégie de développement live et booking.
Connaître les différentes étapes de développement scénique d’un projet musical. Savoir définir ses objectifs et une stratégie pour les atteindre.
Comprendre comment définir une stratégie de booking et connaître sa méthodologie de mise en œuvre. Savoir fixer son prix de vente. Présentation des outils et documents de prospection et de diffusion (argu, rider, fiche technique, plan de feux).

JOURS 6 et 7 – PRODUCTION ET EDITION PHONOGRAHIQUE

La production phonographique 
– Contrats et droits des artistes-interprètes.
Comprendre les principes généraux de la cession de droit. Savoir distinguer entre artiste principal et artiste-musicien, entre contrat d’artiste et contrat de licence. Connaître les principales clauses des contrats conclus entre un label et un artiste et savoir les négocier. Exercice pratique de synthèse de contrat.
– La Convention collective de l’édition phonographique.
Présentation générale de la CCNEP.
– Rémunération des artistes-interprètes.
Connaître les modalités de rémunération de artistes principaux et des artistes musiciens, telles que prévues par la loi, la réglementation et les usages (notion de « service », règles de calcul des minimas, les rémunérations. complémentaires, etc.). Exercices pratiques de calcul de rémunérations.
– Le budget de production.
Savoir construire le budget de production d’un enregistrement phonographique. Analyse des différents postes. Savoir négocier avec les prestataires, les musiciens, le réalisateur artistique.
– Le financement de la production (subventions, crowdfunding, mécénat)
Savoir construire un plan de financement.
Méthodologie de la recherche de subventions (les différents « guichets », éligibilité, timing, etc.).
Méthodologie du financement participatif (les prérequis, importance du P&L, mise en œuvre et suites de l’opération de crowdfunding).
Présentation des autres sources de financement. Comprendre le calcul du seuil de rentabilité. Exercice pratique.
– L’organisation de la production.
Connaître les différentes étapes de la production. Planning et logistique.

L’exploitation des enregistrements
– La distribution des enregistrements.
Structuration et évolution du marché des supports physiques (CD et vinyle) et de la distribution numérique (téléchargement et streaming). Comprendre les principales clauses du contrat de distribution.
– Les exploitations secondaires.
Comprendre le rôle des sociétés de gestion collective des producteurs phonographiques (SCPP et SPPF) et des artistes-interprètes (ADAMI et SPEDIDAM). Synchronisation et autres exploitations secondaires : étude du cadre contractuel.
– Les exploitations dérivées.
Étude des différents modes d’exploitation des attributs de la personnalité de l’artiste : merchandising physique et digital, sponsoring, partenariats et concerts privés.
– Le calcul des royalties.
Comprendre les modalités de calcul des royautés (assiettes, taux, paliers, abattements, etc.). Exercice pratique : réalisation d’un décompte de royautés.

JOURS 8 ET 9 – COMMUNICATION ET WEB MARKETING DU PROJET MUSICAL

NOTE : ces deux journées de formation se tiennent en distanciel.

Storytelling et visuels : l’univers extra-musical de l’artiste
– Le storytelling.
Échanges autour de la présentation verbale des projets des stagiaires. Comprendre les enjeux fondamentaux de
la présentation par les mots. Apprendre à l’écrire.
– L’univers visuel.
Comprendre les enjeux de l’image d’un projet. Apprendre à établir un moodboard et à définir une direction artistique visuelle globale. Savoir la développer stratégiquement.

La communication B2b et les médias 
– Les outils de la communication.
Apprendre à concevoir ses outils de communication (dossier de presse, EPK, mail de démarchage pro…).
– Les médias.
Connaître le rôle des attaché.e.s de presse et savoir choisir le partenaire pertinent. Organiser soi-même une campagne de RP stratégique. Apprendre à distinguer les médias adaptés à son projet.

La communication direct-to-fan et les réseaux sociaux
– Comprendre les notions et enjeux du community management et de la promotion sur les nouveaux médias. Savoir définir sa stratégie de communication digitale. Comprendre le rôle des influenceurs. Savoir réaliser une newsletter.
– La stratégie de contenus.
Maîtriser les notions de régularité, fan engagement et recrutement. Savoir choisir des contenus pertinents et définir des objectifs ; Comprendre les enjeux d’une stratégie cross-platform.

Markéter ses contenus en ligne
– Les enjeux du marketing digital.
Comprendre les algorithmes de recommandations, la stratégie de contenus, le référencement naturel, visuels et backlink.
– Focus : communiquer sur son live.
Communiquer auprès des pro (supports, méthodes), communiquer auprès du public (communication online – outils, planning, objectifs – et physique).

JOUR 10 – SYNTHÈSE / PRÉSENTATION D’UNE STRATÉGIE DE DÉVELOPPEMENT
Cas pratique reprenant l’ensemble des notions abordées dans les différents modules. Correction collective et FAQ.

Synthèse / présentation par les stagiaires d’une stratégie de développement
– Faisant la synthèse de toutes les notions abordées pendant la formation les stagiaires préparent une stratégie de développement et un plan d’action répondant aux spécificités de leur projet, puis le présentent devant un développeur d’artiste (manager / producteur)
– Analyses et commentaires de l’intervenant développeur d’artiste et du formateur principal. Échanges et débat.

Bilan de la formation

SUPPORTS DE TRAVAIL

– Modèles de contrat, documents professionnels
– Ressources vidéo et sonores

TECHNIQUES PÉDAGOGIQUES

– Exposés / cours théoriques
– Exercices
Des exercices de mise en pratique sont régulièrement proposés à l’issue de la présentation théorique des notions abordées.
– Entretien avec des professionnels
Des échanges sont menés régulièrement avec les formateurs, professionnels expérimentés en activité.
– Débat, discussion

ÉVALUATION

L’évaluation est continue tout au long de la formation, notamment lors des exercices de mise en pratique.

Évaluation en fin de formation
Elle est effectuée lors de l’exercice de synthèse du Jour 10 au cours duquel chaque stagiaire présente une stratégie de développement. Le formateur évalue à cette occasion l’acquisition des objectifs pédagogiques pour chaque participant.
Des bilans et synthèses personnalisés sont effectués par le formateur.

Moyens techniques

– 1 grande salle de travail équipé d’un accès internet
– Vidéoprojecteur + écran
– Système de diffusion audio

NOTE: La formation se déroulant en tout ou en partie à distance, le stagiaire doit posséder une liaison Internet, un ordinateur, une webcam (intégrée ou non) et un micro (intégré ou non).

MODALITÉS D’ORGANISATION À DISTANCE
Mise à disposition d’un espace extranet individualisé
Échange de documents administratifs et pédagogiques, gestion de l’agenda de formation, accès à la classe virtuelle, émargement.
Classe virtuelle
Mise en place à l’aide de la plateforme Dendreo Live. (Fonctionnalité intégrée dans l’espace extranet).
Assistance individualisée.
Organisée en amont de la formation et d’une durée d’un quart d’heure, elle permettra à chaque stagiaire de prendre en main les outils mis à disposition et de vérifier qu’il dispose des équipements requis en ordre de marche (ordinateur ou tablette, caméra et micro).